lundi 18 avril 2011

Des nouvelles de Giverny....Pierre Bonnard

Pierre Bonnard en Normandie au Musée des Impressionnismes


 

Encore mille Mercis à Ariane pour ses Giverny News

Exposition Bonnard en Normandie au Musée des Impressionnismes

Pierre Bonnard dans la belle exposition que lui consacre le Musée des Impressionnismes de Giverny jusqu'au 3 juillet 2011.

La sélection de 80 oeuvres présentée, accompagnée de photos et d'archives, se concentre sur une partie du travail de Bonnard qui n'est pas la plus étudiée : celle réalisée en Normandie, principalement à Vernon, de 1910 à 1938.
Le rayonnement de Monet à Giverny est tel qu'il éclipse celui de Bonnard, qui résida à cinq kilomètres. C'est dans un hameau de la rive droite de la Seine que le peintre discret a élu domicile. Le lieu s'appelle Ma Campagne, du nom peut-être de l'auberge voisine. La maison de Bonnard, baptisée La Roulotte par son propriétaire précédent, peintre lui-aussi, s'accroche au coteau et domine la Seine.
Outre le voisinage de son ami Monet, c'est la situation de la maison, certainement, qui a séduit Bonnard. Lui qui aimait séjourner dans plusieurs maisons différentes, au point que ses amis l'appellaient Cadet Roussel, choisissait toujours des lieux à l'écart des choses. Bonnard ne descendait pas à Deauville mais à Trouville, il préférait le Cannet à Cannes, il a évité l'agitation de la colonie picturale de Giverny pour s'installer à Vernonnet. Et toujours, ses maisons dominaient le paysage, offrant une vue magnifique.
Peintre nomade, Bonnard dessinait ou peignait dans des chambres, sans atelier. Pour travailler, il punaisait la toile sans cadre au mur. Au bout de quelques semaines, quand il pliait bagages pour aller séjourner ailleurs, les toiles en cours étaient roulées et accrochées au toit de la voiture, pour les poursuivre ailleurs, interminablement.
Car Bonnard n'est pas, dans sa période normande, un impressionniste, peignant sur le motif l'effet fugitif de la lumière. Au contraire, Bonnard absorbe le motif, le mâchouille dans son imaginaire, l'élabore, et le restitue magnifié, transfiguré de son art minutieux et savant.
Ainsi, les impressions lumineuses ressenties sur la Côte d'Azur se déposent sur le paysage de la vallée de la Seine, lui donnant des bleus intenses inattendus, des vibrations de violet et d'orange qui évoquent le soleil du Midi.
 


Henri CARTIER-BRESSON,"Pierre Bonnard, assis (Deville)"



A lire cet article remarque " Bonnard, et le mystère de la peinture moderne…"


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l'atelier aux mimosas, Pierre Bonnard
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“la peinture, ou la transcription des aventures du nerf optique” écrit Pierre Bonnard (dans son agenda-carnet). Comme Monet, Bonnard cherche à transcrire la lumière, comme Cézanne, il cherche à transcrire la sensation pure de la vision. Et cependant il ne peint jamais d'après modèle mais d'après croquis, dans une démarche analytique du “visuel” à peindre : telle heure, telle qualité de lumière (beau temps ou mauvais temps note-t-il dans ses carnets) tel contraste de couleur pour amplifier la lumière, telle façon de composer avec le “vu” et de mettre en scène le visuel (le paysage vu à travers la fenêtre peut amplement déborder le cadre de ce qui était effectivement perceptible). 
En un sens, pour Bonnard comme pour de nombreux peintres, l'épiphanie du visuel est désormais le sujet réel du tableau, et peu importe les objets représentés, ils ne sont que supports de méditation sur la lumière et les “aventures du nerf optique”.
 Il y a bien longtemps que les dieux, les héros, les personnages historiques ont quitté la scène du tableau… les peintres peignent “le rien”, le rien de la lumière qui donne forme sans que la forme soit prééminente. Et il importe que ce rien devienne l'objet du tableau.
Dès la fin du 19°s  la peinture se met à se réfléchir elle-même, s'observe, s'analyse, devient sujet d'elle-même. Ainsi la couleur et ses ressources devient à elle-même son propre objet, elle n'est plus le médium d'autre chose,  (le moyen technique d'une représentation) car le semblant de l'imitation se sait désormais semblant et devient prétexte à la célébration de sensations visuelles. Ainsi la lumière, ses aventures dans le corps, ses vibrations dans la chair de la perception, est peut-être en dernière analyse l'objet à accueillir et à transcrire…
Il arrive que la pratique picturale témoigne alors d'une profonde  joie d'être (pensons aux nombreux papiers découpés du dernier Matisse), joie inhérente à l'éveil d'une pleine conscience et d'une présence sensible au monde de l'ici et maintenant comme dirait Merleau-Ponty dans L'oeil et l'esprit. La théorie a laissé place à l'experience de l'être au monde et l'expérimentation joyeuse du  ”prendre part” et percevoir…
 Expérience où certains se sont engagés en déconstruisant les codes de la préhension intellectuelle classique, les règles habituelles de la représentation (pensons aux nymphéas de Monet par ex. ) pour accueillir de l'inédit et voir avec cet ”'oeil du nourrisson” dont parle Cézanne, cet oeil qui saisit les harmonies musicales,  rythmes et timbres colorés qui tissent le réel comme le pense le Gauguin d'Haïti. Lequel se dit lui-même “primitif” en ce sens qu'il tente d'interroger le mécanisme de la perception à sa racine. Revenir à cette “nappe de sens brut” et à ce “il y a” que Merleau-Ponty explore dans Le visible et l'invisible.
C'est le mystère de cette présence à soi et au réel que célèbreront aussi les oeuvres de Rothko qui parle à ce sujet de “tableaux de méditations”, tableaux qui ne sont plus qu'espace mental, espaces sans formes, espaces silencieux convoquant le calme possible d'une intériorité ouverte sur le vide bouddhique, le vide du mental qui peut accueillir la plénitude d'être, au présent, ici et maintenant, face à l'aura singulière du perçu.
“Aura” dont Walter Benjamin, dans L'oeuvre d'art à l'heure de sa reproduction technique, dit qu'elle disparaît précisément lorsque l'art est consommé, reproduit à grande échelle. L'aura d'une oeuvre c'est sa présence unique, tout ce qui caractérise sa singularité, taille, textures, matières, effets techniques, supports, et tout ce qui ne peut s'apercevoir sur une reproduction dans un livre ou une reproduction décorative (Rothko n'est connu de certains qu'à travers sa vulgarisation dans les magazins de décoration d'intérieur… )
Pourtant seule la rencontre en direct avec une oeuvre permet de ne pas trahir son être et d'éprouver son mystère. Aujourd'hui nous “consommons” les images de l'art, zappant de l'une à l'autre, accumulant et oubliant (comme toute chose qui n'a pas été vraiment rencontrée). Je le fais aussi un peu sur ce blog en ne témoignant que d'un petit reflet - ombre dans la caverne dirait Platon - des oeuvres réelles qui se trouvent dans tels et tels musées…  Pourvu que cela éveille alors votre curiosité…
Enfin, certains comme Malevitch seront même tentés d'élaborer une sorte de nouvelle métaphysique de l'être.
«  Ce à quoi nous donnons le nom de réalité est l'infini qui ne connaît ni poids, ni mesure,ni temps, ni espace, ni absolu, ni relatif, et qui n'a jamais été tracé dans une forme. La réalité n'est pas plus représentable que connaissable. Rien n'est connaissable, mais dans le même temps, ce « rien » éternel existe »   Malévitch, (extrait de « Dieu n'est pas déchu » dans Essais.)

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