De l'expressionnisme allemand (3)...Expressionismus & Expressionismi

La Pinacothèque de Paris présentera du 13 octobre 2011 au 11 mars 2012 une étude inédite de l'Expressionnisme allemand.

"Expressionismus & Expressionismi" - Berlin-Munich 1905-1920. Der Blaue Reiter vs Brücke Cette exposition, au titre en forme de néologisme, se propose de montrer la diversité des mouvements constituant ce que l’on regroupe sous l’Expressionnisme allemand, et en particulier "Der Blaue Reiter " et "Brücke". A la Pinacothèque de Paris, du 13 octobre 2011 au 11 mars 2012.

© Affiche : Pinacothèque de Paris, Gilles Guinamard

Souvent perçu comme monolithique, l’Expressionnisme allemand est pourtant composé de deux approches diamétralement opposées.

L’Expressionnisme s’est principalement créé autour de deux courants, deux écoles, opposées en tout point, sans pour autant jamais entrer en conflit entre elles. Par analogie, il pourrait s’agir de la mer et de la montagne.

Der Blaue Reiter (1912-1914) était un mouvement intellectuel, composé principalement de théoriciens, de penseurs, de philosophes qui avaient une approche très théorisée de ce que devait être leur œuvre. Héritiers de la culture germanique et romantique du Gesamtkunstwerk « œuvre d’art totale » –où littérature, musique, poésie et dessins s’harmonisaient de manière équilibrée–, ce mouvement associa également des artistes étrangers, tel Kandinsky, qui apportèrent également une culture non germanique à ce que devait être la création artistique idéale.

Parallèlement à ce mouvement purement intellectuel, Brücke (1905-1913) se développa autour d’artistes qui privilégièrent une création sensible et sensitive, émotionnelle, où n’avaient pas place les références purement intellectuelles de Der Blaue Reiter. Ces artistes allaient exprimer leur rapport instinctif à un climat, à une époque, à un contexte, à une période de décadence pangermanique dont ils furent les témoins impuissants et malheureux.

Ces deux mouvements opposés sont si éloignés qu’ils devraient n’avoir aucun point commun. Pourtant, ils vont se répondre et s’imbriquer au point de fusionner parfois pour ne constituer qu’un seul et unique mouvement, appelé par la suite l’ Expressionnisme allemand .

Ils vont également donner naissance à d’autres mouvements, d’autres écoles ou émanations au point que l’un et l’autre formeront une myriade de courants, tous intégrés dans l’expressionnisme, bien que parfois fondés sur des philosophies très différentes.

L’exposition présentée à la Pinacothèque de Paris s’intéresse uniquement aux deux courants fondateurs de l’Expressionnisme allemand, très distincts, très opposés, mais aussi très représentatifs de ce mouvement.

Autour principalement de Kirchner, Nolde, Schmitt-Rottluff et de Kandinsky, Marc et Jawlensky, l’exposition réunit cent cinquante œuvres environ.

Une telle étude n’a jamais été présentée dans les nombreuses expositions réalisées sur le sujet en Allemagne. Toujours dans son esprit de dialogue et de confrontation entre les arts, la Pinacothèque de Paris invite à découvrir les nuances importantes et diamétralement opposées en confrontant les artistes et les œuvres.

Commissariat de l’exposition : Prof. Dr. Ralph Melcher et Prof. Dr. Raimund Stecker

"Der Blaue Reiter " (1912-1914)

Crédit photo ADAGP, Paris 2011

Crédit photo ADAGP, Paris 2011

"Brücke" (1905-1913)

Crédit photo ADAGP, Paris 2011

Crédit photo ADAGP, Paris 2011

Ce mouvement pictural sera envisagé à travers la confrontation de ses deux courants fondateurs, Der Blaue Reiter et Brücke.

Le titre Expressionismus & Expressionismi fait référence à l'importante exposition sur le Futurisme, intitulée Futurismo & Futurismi, qui a eu lieu à Venise en 1986. Ce néologisme permettait de montrer la diversité des mouvements constituant le Futurisme italien. De la même façon, Expressionismus & Expressionismi illustre la diversité des origines de l'Expressionnisme allemand, qui, souvent perçu comme monolithique est pourtant composé de deux approches diamétralement opposées.

Die Brücke est un groupe d'artistes fondé à Dresde en 1905 et installé à Berlin à partir de 1908. Les fondateurs, Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde et Karl Schmidt-Rottluff privilégiaient une création émotionnelle, tournée vers les sensations et les perceptions de l'artiste. Ces peintres allaient exprimer leur rapport instinctif à une époque de décadence pangermanique dont ils furent les témoins impuissants et malheureux.

Der Blaue Reiter se constitua quant à lui autour d'artistes et de philosophes qui développèrent une approche théorique, voire spirituelle, de l'œuvre d'art. Héritier du concept germanique «d'œuvre d'art totale», ce mouvement purement intellectuel, qui s'est formé à Munich en 1911 à l'initiative de Wassily Kandinsky et Franz Marc, conçoit la création idéale comme un équilibre harmonieux entre les disciplines.

L'exposition présentera, autour de cent cinquante œuvres environ, ces deux courants distincts mais représentatifs de l'Expressionnisme allemand. Toujours dans son esprit de dialogue entre les arts, la Pinacothèque de Paris invite les visiteurs à découvrir les nuances essentielles et antagonistes en confrontant les artistes et les œuvres.

Parallèlement à l'exposition de la Pinacothèque de Paris, ce hors-série réétudie l'Expressionnisme allemand, à travers la confrontation de ses deux courants fondateurs, Der Blaue Reiter (Wassily Kandinsky, Franz Marc) et Brücke (Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde, Karl Schmidt-Rottluff...



Octobre 2011

De l'expressionnisme allemand (2)

L'expressionnisme est un mouvement artistique apparu au début du XX^e siècle, en Europe du Nord, particulièrement en Allemagne. L'expressionnisme a touché de multiples domaines artistiques : la peinture, l'architecture, la littérature, le théâtre, le cinéma, la musique,la danse, etc. Survivant jusqu'à l'avènement du régime nazi, l'expressionnisme est condamné par celui-ci qui le considère comme « dégénéré ».

La Vue de Tolède sous l’orage du Greco, 1595/1610

L'expressionnisme est la projection d'une subjectivité qui tend à déformer la réalité pour inspirer au spectateur une réaction émotionnelle. Les représentations sont souvent fondées sur des visions angoissantes, déformant et stylisant la réalité pour atteindre la plus grande intensité expressive. Celles-ci sont le reflet de la vision pessimiste que les expressionnistes ont de leur époque, hantée par la menace de la Première Guerre mondiale. Les œuvres expressionnistes mettent souvent en scène des symboles, influencées par la psychanalyse naissante et les recherches du symbolisme.
Au début du XX^e siècle, ce mouvement profondément ancré dans l'Europe du Nord (en particulier l'Allemagne) est une réaction à l'impressionnisme français. Alors que l'impressionnisme est encore à décrire la réalité physique, l'expressionnisme allemand lui ne s'attache plus à cette réalité et la soumet aux états d'âme de l'artiste.
L'expressionnisme rompt aussi avec l'impressionnisme à travers une forme très agressive : des couleurs violentes, des lignes acérées. Il s'inscrit alors dans la continuité du fauvisme qui commence à s'épuiser et dont les principaux représentants s'éloignent plus ou moins brutalement : Matisse, Marquet, Van Dongen, Braque, Derain, Friesz et Vlaminck. Pour autant l'expressionnisme n'est pas vraiment un mouvement ou une école mais davantage une réaction contre l'académisme et la société. Les artistes expressionnistes resteront souvent isolés. Le Cri du peintre Edvard Munch est l'un des plus représentatifs et célèbres tableaux expressionnistes.

August Macke: Russisches Ballett

Franz Marc: Les grands chevaux bleus

On peut rattacher les peintres des XV^e et XVI^e siècles Matthias Grünewald et le Greco à la tendance expressionniste, mais en pratique le terme s'applique essentiellement aux œuvres du XX^e siècle.
Les premiers éléments annonciateurs de l'expressionnisme apparaissent à la fin du XIX^e siècle, en particulier dans la toile d'Edvard Munch, Le Cri ainsi que dans l'évolution des travaux de Van Gogh. Le critique d’art Wilhelm Worringer, en 1908, est le premier à parler d’« expressionnisme ».
L'expressionnisme éclot par ailleurs alors que la technique photographique se perfectionne et que le rapport de l'art à la réalité s'en trouve profondément modifié. L'art pictural perd sa fonction de moyen privilégié de reproduction de la réalité objective ce qui renforce sa composante subjective et lui permet progressivement de s'affranchir des normes.

Van Gogh : La Nuit étoilée, Saint-Rémy (1889)

Marianne von Werefkin: Ville rouge

Franz Marc: Tierschicksale

August Macke: Im Basar

Portrait d'Eduard Kosmack  Egon Schiele

 
Alvar Cawén, Le musicien aveugle

Le pont sur l'Elbe  Rolf Nesch

Chevreuils dans la forêt Franz Marc

 
August Macke, Lady dans une vese verte

Egon Schiele 1911

Les grands noms de l'expressionnisme:

Otto Dix

Georges Gimel

Alexi von Jawlensky

Wassily Kandinsky

Ernst Ludwig Kirchner

Oskar Kokoschka

August Macke

Franz Marc

Paula Modersohn-Becker

Edvard Munch

Gabriele Münter

Emil Nolde

Max Pechstein

Maurice Rocher

Egon Schiele

Karl Schmidt-Rottluff

Chaïm Soutine

Marianne von Werefkin

Franz Marc, 1905

August Macke, 1907

Egon Schiele

Ernst Ludwig Kirchner

Egon Schiele, autoportrait

Clouds in Finland by Konrad Krzyżanowski, 1908

Plusieurs groupes artistiques peuvent être rattachés à l'expressionnisme, tels que l'Association des Artistes munichois (NKVM) et la Nouvelle Sécession de Berlin dont sont issus par rupture, respectivement Der Blaue Reiter (Le Cavalier bleu) et Die Brücke (Le Pont). En 1918, le Groupe de Novembre en cristallise la portée politique. Après 1933, le mouvement, dans sa dimension formelle, a influencé nombre d'autres artistes, comme par exemple les expressionnistes abstraits aux États-Unis.

Franz Marc, Formes combattantes

Amedeo Modigliani, Diego Rivera

Ernst Ludwig Kirchner, Autoportrait en soldat

Die Brücke est fondé en 1905 par Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel et Karl Schmidt-Rottluff à Dresde. Max Pechstein et Emil Nolde en 1906, Otto Müller en 1910, et Cuno Amiet les rejoignent. Le fauviste Van Dongen se joignit aussi à eux et fut l’intermédiaire avec ses compagnons français. L’intention du groupe était d’attirer tout élément révolutionnaire qui voudrait s’unir à eux, c’est ainsi qu’ils l’exprimèrent dans une lettre adressée à Nolde. Leur plus grand intérêt était de détruire les vieilles conventions, à l’identique de ce qui se passait en France.
Selon Kirchner, ils ne pouvaient s’imposer de règles et l’inspiration devait couler libre et donner expression immédiate aux pressions émotionnelles de l’artiste ; ils se préoccupent moins des aspects formels, position qui les séparait du fauvisme de Matisse et Braque.avec des scénes tres brutales et sanglantes
Pour les Allemands, le contenu est plus important que la forme. La charge de critique sociale qu’ils imprimèrent à l’œuvre leur valut la critique des conservateurs qui les accusaient d’être un danger pour la jeunesse allemande .
Kirchner fut considéré comme le plus authentique représentant de Die Brücke. Il fut un artiste hypersensible qui peignait les rues et la vie urbaine de Berlin de manière nouvelle et originale. Ses formes décharnées et pointues, aux couleurs acides, sont caractéristiques, dans des œuvres comme L’École de Danse de 1914.
Emil Nolde, même s’il quitta le groupe à la fin de l’année 1907, a aussi été considéré comme un des plus importants représentants du groupe. Influencé par le belge Ensor et par Van Gogh, il se sentit fortement attiré par le primitivisme noir et par le mythe du sauvage. Sa recherche du paradis se centra plus sur la concrétion du primordial que sur les attitudes escapistes, façonnant son sentiment tragique de la nature et son inspiration de caractère psychologique et instinctif, éléments qui ont fait de lui le peintre expressionniste par excellence. Vers 1909, et après une grave maladie, il commença à peindre des tableaux à thème religieux, dans lesquels il exprima son inspiration mystique.
Edvard Munch bien qu’il ne soit pas lié avec Die Brücke est considéré comme le père de l’expressionnisme. Il était norvégien et, jusqu’en 1885, s'intéressa à l' impressionnisme et au symbolisme. À partir de 1892, son style est pleinement formé, courbes sinueuses, coloris arbitraires, obsession pour l’infirmité et la mort, êtres inquiétants qui fuient d’une masse de couleur, comme on l’observe dans son tableau le plus célèbre, Le Cri. Son séjour en Allemagne jusqu’en 1908 explique son influence au sein de Die Brücke. En 1913, se produisit la dissolution du groupe, conséquence des différences évidentes entre les composants du groupe et l’établissement d’un marché qui pour eux compliquait les exigences d’un front commun.

Ecce homo (1925), de Lovis Corinth

Tirol (1914), de Franz Marc

L'église d'Auvers-sur-Oise (1890), de Vincent Van Gogh,

En 1912, un autre groupe d'artistes dont Wassily Kandinsky, Franz Marc, August Macke, Alexeï Jawlensky, Gabriele Münter et Marianne von Werefkin se rassemblent à Murnau, à côté de Munich sous la dénomination de Der Blaue Reiter (Le Cavalier bleu). À la différence de Die Brücke, les artistes de Der Blaue Reiter ressentaient le besoin de créer un langage plus contrôlé pour promouvoir leurs messages. Ils publièrent des livres et organisèrent des expositions. Ils développèrent un art spirituel dans lequel ils réduisirent le naturalisme au point d'arriver à l'abstraction. Ils partagèrent certaines idées avec les expressionnistes de Die Brücke mais ils possédaient une purification plus importante des instincts et ils voulaient également capter l'essence spirituelle de la réalité. Sur ce point, leurs idées étaient plus recherchées et spéculatives. Les plus grands représentants étaient Kandinsky et Franz Marc, accompagnés de Macke, Jawlensky et Klee.
Kandinsky, originaire de Moscou, arriva à Munich en 1896. En 1909, il est nommé président de la Nouvelle Association d'artistes de Munich et organisa les expositions de 1909 et 1910 pour présenter le travail des fauvistes et des premiers cubistes. Dans le catalogue réalisé lors de la seconde exposition, il commença à introduire sa théorie de l'art qui s'acheva, deux ans plus tard, lors de la publication de son livre Du Spirituel dans l'Art. En 1912, après avoir donné sa démission de l'association, il fonda avec Franz Marc Der Blaue Reiter. Ce nom dérive de l'amour de Kandinsky pour les cavaliers et de celui de Franz Marc pour les chevaux. Le groupe se dispersa avec la guerre à laquelle Macke et Marc moururent. Les deux premières expositions de Der Blaue Reiter montraient des œuvres graphiques et des dessins.

En 1913, ils seront invités à participer à une exposition internationale à Berlin nommée Le Salon d'Automne Berlinois. Sa poétique se définissait comme un expressionnisme lyrique dans lequel l'échappatoire tendait non pas vers le monde sauvage mais vers la spiritualité de la nature et du monde intérieur. Pour Kandinsky, la peinture devait s'étendre de la pesante réalité matérielle jusqu'à l'abstraction de la vision pure, avec la couleur comme moyen, d'où le développement d'une théorie complexe de la couleur. Dans La Peinture comme art pur, livre de 1913, il soutient que la peinture est déjà une réalité séparée, un monde en soi, une nouvelle forme d'être, qui agit sur le spectateur à travers la vue et qui provoque en lui de profondes expériences spirituelles. Auparavant, en 1910, Kandinsky avait réalisé les premières aquarelles abstraites.

La "Fugue", de Kandinsky (1914)

Pour Klee, l'artiste devait se mêler aux forces de la nature et agir comme milieu afin que ses créations soient acceptées de la même manière que l'on accepte les phénomènes naturels. À la différence de Kandinsky, Klee était convaincu que l'art pouvait capter le sens créatif de la nature et c'est pour cela qu'il rejetait l'abstraction absolue. Concrètement, Klee se laissa influencer au début, comme Macke, par le simultanéisme des Delaunay. En même temps, il fut le premier artiste à pénétrer dans les domaines de l'inconscient alors que Freud et Jung commençaient à les étudier.
Après la dissolution du groupe en 1919, Walter Gropius fonde le Bauhaus à Weimar, école de dessin et d'architecture, dont les professeurs étaient les plus grands maîtres de l'expressionnisme constructif, et qui réunit des hommes comme Feininger, Klee ou Kandinsky.
En Allemagne, après la Première Guerre mondiale, le réalisme expressionniste apparut, mouvement dans lequel les artistes se séparèrent de l'abstraction, réfléchissant sur l'art figuratif et rejetant toute activité qui ne s'occupait pas des problèmes de l'urgente réalité de l'après-guerre. Ce mouvement regroupa Otto Dix, George Grosz, Max Beckmann et le sculpteur Barlach.

 
Kiki de Montparnasse  Gustaw Gwozdecki

Selbstporträt, Halbakt vor blauem Hintergrund  Richard Gerstl

Entrée du Christ à Jerusalem  Wilhelm Morgner

Chakoska  Amadeo Modigliani

Maison ans un jardin August Macke

Cheval bleu Franz Marc

De l'expressionnisme allemand (1)

L'expressionnisme

L’expressionnisme ne cherche pas à montrer le monde tel qu’il est, mais à l’exprimer. Il s’inscrit dans les pas de Van Gogh qui avait déjà ouvert en son temps les portes d’une forme de peinture marquée par l'expression. Cet aspect est principalement exploité à travers le thème du corps ou du portrait, dans lesquels les artistes n’hésitent pas à aller jusqu’à la distorsion des traits.

Le Cri - Edward Munch

La Cène - Emil Nolde

Femme assise de Max Pechstein

Paysage de Karl Schmitt Rottluft

Ernst Ludwig Kirchner, die Brücke

Les passants Berlinois de Ernst Ludwig Kirchner

Rue 1913 - Ernst Ludwig Kirchner

Potsdamer Platz par Ernst Ludwig Kirchner

Portrait Erich Heckel

Autoportrait Erich Heckel

Baignade Otto Mueller

Metropolis - George Grosz

Eclipse de soleil - George Grosz

Frau von Harden - Otto Dix

Triptyque de Metropolis - Otto Dix

Egon Schiele - Autoportrait

Autoportrait nu - Egon Schiele

Oscar Kokochka - La fiancée du vent

Les amoureux au chat -Oscar Kokochka

L'EXPRESSIONNISME ALLEMAND ET DIE BRÜCKE

Au début du siècle, l’Allemagne traverse une période de crise profonde dans un climat social tendu avec l'approche de la première guerre mondiale, même si le peuple s'affiche dans une insouscience factice. Les expressionnistes sentant venir la guerre expriment leurs sentiments visionnaires dans des images particulièrement torturées. C'est dans ce contexte que se forme le groupe Die Brücke à Dresde en 1905 autours des personnalitées de Fritz Bleyl, Karl Schmidt-Rottluf, Erich Heckel et Ernst Ludwig Kirchner. Viendrons plus tard s'y ajouter des artistes tels que Emil Nolde, George Grosz, Otto Mueller, Max Pechstein et Otto Dix. D’ailleurs, quand on observe les portraits photographiques de ce dernier, on voit que l’expression qui émane de son visage est loin d’être épanouie, primesautière et pleine de joie de vivre. Son expression grave, sévère et austère semble exprimer à elle seule l’atmosphère qui pouvait régner dans le pays à l’époque.

Dans ce monde hostile, présageant moult inquiétudes, les expressionnistes allemands cherchent une peinture capable d’exprimer les problèmes humains. Leur peinture est comme un cri de désespoir lancé en réaction à cette société qui n’offre qu’angoisse et peur de l’avenir. La forme expressionniste est brute, nerveuse et la déformation est utilisée à volonté pour faire rejaillir le sentiment intérieur sur la réalité figurative.
L'influence du style vient de précurseurs du siècle précédent comme James Ensor, Vincent van Gogh ou encore Edward Munch.

L'EXPRESSIONNISME VIENNOIS

A Vienne en Autriche, l'expressionnisme apparaît à travers le groupe de la Sécession créé par Gustav Klimt (bien que celui-ci reste principalement attaché au style Art nouveau), bientôt rejoint par Egon Schiele : dans son autoportrait debout, il n’hésite pas à se montrer à nu, dans toute sa vulnérabilité, sa fragilité d’être humain. Il ne cherche pas à embellir son corps ou son visage. La flatterie n’est pas son propos. Il ne cherche pas à se montrer, mais à exprimer ce qu’il ressent profondément. Il adopte une posture caractéristique de l’expressionnisme allemand, c’est-à-dire une pose anti-naturelle au possible. Son corps est contraint dans un mouvement de torsion, où ses bras sont tordus dans une posture tourmentée à l’arrière de son corps. Les mains sont exagérément agrandies, de manière à renforcer l’aspect expressif. Le regard quant à lui semble très énigmatique. On ne parvient pas à savoir si ce que l‘on voit sont les paupières de ses yeux fermés où si le regard est volontairement absent, comme s’il n’avait pas fait les yeux pour éviter de voir les horreurs du monde. Toujours est-il que cette absence de regard déstabilise et renforce curieusement l’aspect expressif et dérangeant de l’image. Il y a une certaine violence à se mettre à nu, jusqu’à montrer son sexe, et à ne pas dévoiler son regard.

Dans son tableau Deux femmes, il peint deux corps enlacés dans une posture complexe où les corps se mélangent tant qu’ils semblent disloqués. On ne parvient plus à savoir à qui appartiennent les membres. Il y a à la fois une certaine fusion des corps, et en même temps une violence latente dans l’attitude. Il faut se rappeler qu’en cette période, dans certaines familles puritaines, le corps était encore si tabou qu’il était interdit de regarder ou de toucher son propre corps. Les attraits sexuels étaient apparentés au diabolique et au péché, si bien que même lors du bain, certaines familles utilisaient des draps spéciaux, recouvrant tout le corps pour le cacher au regard. Il va sans dire que dans un tel contexte, cette représentation du corps de la femme est plus qu’outrager. C’est sans doute le conflit intérieur entre le désir de montrer le corps et de se l’approprier, et les angoisses profondes que le fait de briser les tabous engendre, qui procure cette agressivité, cette violence et ce tourment palpables dans les représentations du corps.

Quoi de mieux pour exprimer ces angoisses, les terreurs et la violence de ce monde, que le portrait ou le corps nu, sans carapace ni sans défense. Les portraits et corps présentent un aspect très expressif, parfois à la limite de la déformation ou de la monstruosité. Les images dégagent souvent une impression morbide, torturée, exaltant une certaine image de décadence et de déchéance.

C’est le cas du portrait de la journaliste Sylvia Von Harden d’Otto Dix. Le visage pâle de la journaliste peint sur un fond rouge éclatant n’en semble que plus blafard. Les traits du visage sont exagérés, les mains disproportionnées par rapport au corps et leur déformation accentue l’aspect expressif du personnage. Ici, la femme est présentée comme un personnage en pleine décadence : le peintre lui approprie les attraits de la déchéance, cigarette et alcool, surtout pour une femme, ce qui avait sans doute de quoi faire bondir la bourgeoisie bienséante de l’époque. La posture même du personnage accentue cet aspect décadent. Les jambes croisées (posture de séduction nonchalante très incorrecte pour une jeune fille de bonne famille), exhibent un bas qui retombe légèrement plissé avec négligence. Ce détail évoque à la fois un certain laissé aller de la féminité que l’on voudrait voir lisse et pure, et d’une certaine manière aussi, comme un rappel de la dégradation du corps par le temps qui passe. En effet, les plis du bas évoquent une peau vieillie, ridée, les flétrissements inévitables des chairs par le temps qui passe.

Cette image est reprise dans de nombreux tableaux d’Otto Dix, où il montre des femmes âgées aux chairs vieillies. Elles se regardent dans des miroirs, souriantes, avec tous les atours des fraîches jeunes filles. Le contraste n’en est que plus saisissant et montre avec encore plus de cruauté le côté inéluctable de la décadence du corps et des beautés perdues. Cette vision est non sans rappeler le portrait de Dorian Gray, à travers le regard de ces vieilles femmes terrifiantes qui croient encore se voir sous les traits de la beauté de leur prime jeunesse.

Certains artistes du body-art vont développer ce rapport violent et tourmenté au corps, mais de manière toute autre car celui-ci ne passe pas par le biais de la toile. Le corps devient le support direct de l’œuvre. Les artistes de ce mouvement dépassent l’aspect expressif du corps pour explorer les possibles et les limites qu’il offre. (Via)